Teatro Libero Liberi Teatri

Teatro Libero, libera associazione di nuove energie culturali

Di Felice Carlo Ferrara

Corrado d'Elia in "Novecento", spettacolo che ha aperto la nuova stagione del Teatro Libero

Socializzazione e fervore produttivo. Queste le parole chiave per cogliere l'idea di teatro secondo la direzione del Libero, per cui la concentrazione di energie e lo scambio tra artisti e pubblico sono da considerarsi priorità. Negli ultimi anni la sala ha visto così susseguirsi cartelloni molto ricchi in cui, tra i classici raccontati dalle intense interpretazioni di Corrado d'Elia, si sono fatte strada la spontaneità e la vitalità di molte nuove voci.

È il risultato del progetto TLLT, ovvero Teatro Libero Liberi Teatri, una sorta di residenza offerta dalla struttura per ben 12 compagnie che hanno potuto scrivere in piena autonomia artistica, provare e sviluppare spettacoli teatrali in un rapporto di reciproco sostegno, condivisione e scambio di idee. Anche quest'anno, quindi, la stagione sarà la somma di un anno di lavoro organizzato entro questi termini, con tante nuove produzioni, frutto dell'associazione delle giovani compagnie coinvolte nel progetto, alternate da alcune riprese di vecchi successi.

Corrado d'Elia e Corrado Accordino alla conferenza stampa per presentare la nuova stagione del Teatro Libero 

"Qualche anno fa", ha affermato Corrado d'Elia, direttore artistico del Libero insieme a Corrado Accordino, "il nostro teatro ha avuto un cambio di pensiero e si è mutato in una residenza osservatorio per giovani teatranti. L'idea è partita da una proposta di Claudia Negrin, ora presidente di TLLT. Grazie a questo progetto oggi una serie di compagnie hanno qui una casa".

E in effetti anche durante la conferenza stampa dedicata alla presentazione della stagione, si respira nel teatro un clima di serena amicizia tra tutti gli artisti e si avverte il rapporto di confidenza tra le compagnie e i direttori della struttura. Un legame che ha convinto tutti i membri a intraprendere quest'anno per la prima volta anche due produzioni comuni. La prima porterà in scena un grande classico del teatro, "Hedda Gabler" di Ibsen, testo non facile che sarà diretto da Cristina Pezzoli e vedrà Monica Faggiani nella parte principale.

Tobia Rossi con Corrado d'Elia

La seconda coproduzione partirà invece da una drammaturgia di Tobia Rossi, autore prolifico per il Libero, già firma degli spettacoli della scorsa stagione "Portami in un posto carino" e "Assassine"; si tratta di "Bagnati" e riporterà in scena il tema dell'omofobia. Si vedrà così una famiglia protagonista dell'alta finanza costretta a fare i conti con l'omosessualità del rampollo della casata. "L'argomento è l'imbarazzo in un contesto di poca comunicazione", spiega il drammaturgo, "quando la corporeità entra prepotentemente in scena riportando a galla la sessualità".

Nuove produzioni verrano inoltre dalla compagnia Fenice dei Rifiuti, in cartellone con "Nunca Màs", che tenterà un parallelo tra il dramma dei desaparecidos e le violenze della Genova del 2001, e "Il sacrificio del fieno", sulle contraddizioni della Resistenza; quindi dalla compagnia Merenda arriverà la commedia "La memoria dell'acqua", dal Circolo Bergman "Le affinità elettive", che traspone ad oggi il testo di Goethe, e una rilettura del celebre romanzo "Lolita", e da Chronos lo spettacolo "Fragile/Kyoto" che parlerà dell'amore come sentimento difficile da conquistare, e il monologo "La mia massa muscolare magra", ancora scritto da Tobia Rossi.

Daniele Pitari in "La mia massa muscolare magra"

La compagnia La danza immobile/Teatro binario 7 presenterà invece "Elevati e lavati" di Paola Galassi, spiritosa riflessione sui rapporti umani ambientata nell'angusto spazio di un ascensore, e "Dell'amore e d'altri demoni" da Gabriel Garcia Marquez con la regia di Accordino, che guiderà anche Silvana Fallisi in "La morte balla sui tacchi a spillo", rocambolesca veglia in una Sicilia degli anni 60.

Skené tornerà al Libero con la commedia "Coniugi", con "Fuochi" di Marguerite Yourcenar e racconterà infine la guerra con il monologo "La notte che il nulla inghiottì la terra".

Sarà invece il dodicesimo anno consecutivo per "Rumori fuori scena" di Claudia Negrin, commedia brillante sul mondo del teatro sempre richiestissima dal pubblico milanese.

Andrea Brunello in "Il principio dell'incertezza"

Spiccano poi due spettacoli della compagnia Arditodesio/Teatro Portland, entrambi scritti da Andrea Brunello, che tentano una fusione di fisica e teatro: "Il principio dell'incertezza" e "Torno indietro e uccido il nonno", infatti, affondano il primo nei misteri della meccanica quantistica e il secondo nell'interrogativo mai estinto sulla natura del Tempo.

Monica Faggiani ne "La locandiera"

Tornano certamente anche alcune tra le più apprezzate interpretazioni di Corrado d'Elia che apre la stagione con "Novecento" di Baricco, e soprattutto ripropone la spumeggiante "Locandiera", con costumi e scenografie tutte di plastica al servizio di una regia che spinge a tutta forza sulle potenzialità comiche del testo. Ancora D'Elia sarà protagonista de "La leggenda di Redenta Tiria", ambientato in un paese sardo in cui si concentra il più alto numero di suicidi al mondo, e della nuovissima produzione che vedrà il Libero e il Teatro Litta associati per una reinterpretazione della tragedia di Amleto, vista come ricordo dagli occhi di Orazio.

Le immagini in anteprima di "Amleto", con Corrado d'Elia, in scena al Teatro Litta dal 25 novembre al 7 dicembre

A Monica Faggiani sono invece affidate le interpretazioni degli ultimi due lavori di Corrado d'Elia: "Mercurio", in cui una infermiera, raccogliendo frammenti di mercurio, tenterà di restituire uno specchio e quindi una identità a una donna che, pur bellissima, vive isolata, convinta da un marito geloso di essere di aspetto repellente; e "Questa sono io", da un testo di Federico Guerri che affronta la società attuale e i falsi miti della televisione. Sarà così questo spettacolo a chiudere, nel luglio 2015, la nuova stagione del Libero.

La scenografia di "Mercurio"

Enrico IV di Franco Branciaroli

La finzione della realtà e la verità della scena.Franco Branciaroli interpreta il capolavoro di Pirandello  

di Felice Carlo Ferrara

Nella ricca stagione del Piccolo di Milano, tra classici e nuove drammaturgie, spicca una produzione del Teatro degli Incamminati: Enrico IV, il capolavoro di Pirandello diretto e interpretato da Franco Branciaroli, negli ultimi anni impegnato in un percorso di riflessione sul mestiere dell'attore e sulla realtà della scena teatrale. Lo spettacolo sarà in scena dal 21 ottobre al 2 novembre. Nell'attesa, ecco la nostra recensione:

Dopo Servitore di scena e Il teatrante, Franco Branciaroli prosegue il suo percorso di indagine sull’attore che interpreta se stesso e sul teatro che mette in scena la propria realtà. E dopo due testi brillanti, ma di media statura, Branciaroli è pronto per uno dei capolavori assoluti della nostra drammaturgia: l’Enrico IV di Luigi Pirandello, dove la riflessione metateatrale esula in verità dalla mera descrizione della vita sulla scena e costruisce invece una grande e ampia metafora sul significato generale dell’esistenza e sui meccanismi della società condotta col rigore filosofico tipico di tutta l’opera pirandelliana. Nonostante la monumentalità del personaggio di Enrico IV, la trama del dramma non è architettata per singole individualità che si impongano, ma si incentra sul rapporto tra il singolo e la collettività, una relazione contrassegnata dalla crudeltà e dall’egoismo cinico con cui il gruppo schiaccia il più debole: nella scena il drammaturgo mette infatti uomini e donne dell’alta società che ingannano il tempo con un gioco in maschera in cui ognuno interpreta un personaggio della storia medievale. Lo scherzo, però, si fa terribile quando uno di loro, “reo” di vivere troppo seriamente la propria esistenza e quindi di avvicinarsi troppo pericolosamente alla verità, è fatto cadere da cavallo, vittima di un feroce dispetto. Battuta la testa, l’uomo rimane fissato nel proprio personaggio fittizio, del tutto dimentico della propria reale identità. Ma chi non è effettivamente spogliato del proprio io per subire condizionamenti continui dalla società? Chi è veramente consapevole della propria autentica essenza? Chi veramente vive se stesso, senza lasciarsi infilare in personalità posticce, stereotipate e limitate, imposte dalla società? Chi sa realmente emanciparsi dalla tirannia della società che assegna a ognuno ruoli preconfezionati, quali la moglie nervosa, il marito saccente, la figlia sgarbata, la suocera invadente? Il protagonista del dramma, privato della sua identità da un crudele gioco di gruppo e costretto a indossare per tutta la vita una maschera, non è che l’icona di un processo di cui siamo tutti vittime. Ma Pirandello ci insegna anche una via di uscita: la follia come scelta consapevole e ragionata.

Enrico IV indossa la maschera del folle

Il termine folle è infatti una sorta di zona franca, l’unico nome sotto il quale la società non riesce a imporre alcuna regola, alcun laccio: nessuno sa prevedere il comportamento di un folle, nessuno può dire a un pazzo come deve comportarsi. E così quando Enrico IV recupera ad un tratto la propria lucidità e comprende di essere stato spinto fuori dalla propria vita per quasi vent’anni, costretto a indossare panni che non sentiva propri, decide di tenersi stretto il termine pazzo per contrapporsi orgogliosamente alla società che lo aveva umiliato ed ecco che si fa veramente imperatore della propria esistenza. Conquistata la consapevolezza di come la vita in società sia tutta una commedia, anziché combattere come un tempo per affermare la serietà dell’esistenza contro la farsa voluta della società, Enrico IV accetta di rimanere nel gioco teatrale, ma elevandosi da attore a regista. È lui che orchestra i ruoli di ognuno e questo gli può anche permettere di virare all’improvviso il tono della commedia verso la tragedia.

La scenografia di Margherita Palli immagina il castello di Enrico IV come una sorta di tetro luna park 

Branciaroli allestisce il dramma con giusta devozione verso il grande drammaturgo. Rinuncia così ad ogni modifica del copione e accoglie fedelmente tutte le istanze filosofiche contenute nei dialoghi, valutandone al contempo anche le potenzialità comiche, memore della poetica dell’ironia su cui Pirandello tanto insisteva. Il lavoro maggiore è dunque sull’interpretazione attorale, affidata ad un’ottima squadra in cui, come di consueto avviene, i più grandi spiccano sui giovani: bravissimi in particolare Melania Giglio, Giorgio Lanza, Daniele Griggio e Antonio Zanoletti, capaci di calarsi perfettamente nei ruoli, vivendoli con spigliato realismo, pur spingendo molto le caratterizzazioni, come richiederebbero sempre i testi di Pirandello. Ma, naturalmente, il vero cardine dello spettacolo è Franco Branciaroli, che regala al pubblico un superbo Enrico IV, nel primo atto inquietante pagliaccio dal viso dipinto da una follia di sapore smaccatamente amletico, e poi d’improvviso uomo senza maschere, pervaso da una profonda amarezza, lucido e disincantato osservatore di una società priva di pietà. Soprattutto Branciaroli non cade nella tentazione dell’eroe autocompiaciuto, ma restituisce al testo un Enrico IV a tratti persino umile nel confessarsi vittima di una prepotenza di gruppo cui è difficile sfuggire, un uomo che, pur nell’audacia delle proprie azioni, rimane comunque un amante ferito e un sognatore deluso dalla vita. La regia segue sapientemente le metamorfosi del personaggio: si comincia con una scena quasi barocca che accumula con insistenza immagini di cavalli e cavalieri, certamente un’eco dell’origine dell’ossessione in cui il protagonista è rimasto incastrato; poi una musica dal suono cupo spezza il tono leggero, preannunciando una maggiore drammaticità, l’ambiente si trasforma e si cade di colpo in una scena quasi del tutta nuda che fa da sfondo ideale all’uomo che si presenta ormai senza finzioni. Infine, come torna la maschera, ecco riapparire la giostra con tanto di cavalli da luna park. Ed è proprio la bellissima e suntuosa scenografia, opera della brava Margherita Palli, a dare il tocco più originale all’allestimento. Si evitano, infatti, soluzioni naturalistiche, per assumere un taglio più surreale e straniante, di certo molto adatto alla dimensione filosofica del testo pirandelliano. Interessante soprattutto il secondo atto, ambientato in una costumeria, in cui lo psichiatra, con la sua insistente opera di catalogazione degli esseri umani in tipologie fisse, è mostrato allegoricamente come sarto, intento a tessere costumi teatrali.

Il tema del cavallo rieccheggiato con insistenza nelle scenografie 

Da apprezzare, infine, la scelta del CTB e del Teatro degli Incamminati di affrontare una produzione dai costi evidentemente alti: Branciaroli, oltre a circondarsi di ben 10 attori, si permette il lusso di un apparato scenotecnico lussuoso, più facilmente riscontrabile nella realtà lirica che nella prosa. Ma è di certo un coraggio che un attore come Branciaroli può ormai permettersi. Il suo talento istrionico si è guadagnato da tempo un folto stuolo di ammiratori e l’Enrico IV è decisamente uno dei testi più adatti per rivederlo in scena.

Enrico IV

di Luigi Pirandello

Produzione: CTB – teatro stabile di Brescia, Teatro degli incamminati

Con: Franco Branciaroli, Melania Giglio, Giorgio Lanza, Antonio Zanoletti, Valentina Violo, Tommaso Cardarelli, Sebastiano Bottari, Mattia Sartoni, Pier Paolo D’Alessandro, Andrea Carabelli, Daniele Griggio.

Scene e costumi: Margherita Palli

Luci: Gigi Saccomandi

Regia: Franco Branciaroli

Durata: 1h, 40 minuti

Visto presso il Teatro Sociale di Brescia

Per approfondire: www.incamminati.it

Teatro d'inchiostro

Teatro d'inchiostro è un blog per raccontare la nuova realtà teatrale, con recensioni, interviste e articoli sulle maggiori novità nel panorama teatrale italiano.