Tap Ensemble e il Don Giovanni

DON GIOVANNI IN MASCHERE E GUARATTELLE

Recensione di Felice Carlo Ferrara

Don Giovanni, noto seduttore, per le sue conquiste non esita a compiere i peggiori misfatti e, soprattutto, non disdegna di manipolare il suo fedele servitore, che deve così districarsi tra mille disavventure, fino a rischiare la vita stessa sul patibolo, per il proprio padrone. Una graduale presa di coscienza porta tuttavia il servitore a sciogliere il giogo che lo teneva sottomesso al suo padrone, capovolgendo la situazione in suo favore e lasciando infine che la giustizia si abbatta sul cinico Don Giovanni.

La compagnia Tap Ensemble sceglie di rielaborare il Don Giovanni di Moliere, non tanto per indagare il mito dell’iconico personaggio, quanto per sperimentare un gioco di interazioni tra due linguaggi scenici di fatto molto diversi e tuttavia avvicinabili, perché entrambi riconducibili a un codice grottesco: burattini e commedia dell’arte. Grandi maschere entrano così nello spazio scenico, scompaiono chiudendosi in un cassone, che si rivela d’un tratto un teatro dei burattini, e da qui riemergono sotto forma di guarattelle, minute nelle dimensioni, ma sorprendentemente potenti a livello scenico.

Il gioco funziona, anzitutto perché a sposare le due forme teatrali è una forte consapevolezza della loro origine popolare che si esprime nella propensione allo scherzo, all’ironia, alla gag reiterata, e, a livello contenutistico, nell’intento di esprimere la forza del popolo a discapito di un mondo dispotico, retto su privilegi di élite dall’irriducibile cinismo, forse incrollabili nel mondo reale, ma non nella finzione scenica, che si apre invece alla speranza di un riscatto e di un trionfo della giustizia. 

Lo spettacolo risulta quindi estremamente piacevole, senza privarsi di un suo valore etico al di là della sua leggerezza. Molto efficaci tante trovate sceniche e lodevole l’idea, al centro di tutto lo spettacolo, di un cassone in continua trasformazione, capace quindi di mutarsi in bara, in porta a più sportelli, in una torre e, ovviamente, in un teatrino. Infine tra tutti spicca sicuramente Luca Ronga con un lavoro sulle guarattelle davvero superlativo.

DON GIOVANNI IN CARNE E LEGNO

da Moliere

attori: Nicola Cavallari, Eleonora Giovanardi, Gianuca Soren

guarattelle Luca Ronga

regia Ted Keijser

musiche e canzoni Andrea Mazzacavallo

disegno e realizzazione scene e guarattelle Brina Babini - Atelier della luna

maschere Andrea Cavarra

disegno luci Maddalena Maj

ombre Federica Ferrari

testo Nicola Cavallari e Luca Ronga adattamento Ted Keijser e Tap Ensemble

costumi Licia Lucchese

luci e fonica Alessandro Gelmini Davide Giacobbi

produzione Teatro Gioco Vita, Tap Ensenble

in collaborazione con Atelier della Luna, Balrog, La Bagatella, Macherà, Teatro delle Temperie

produzione Teatro Gioco / Tap Ensemble

visto presso il Teatro Verdi di Milano, il 22 marzo 2019, IF festival

Gek Tessaro: il cuore di Don Chisciotte

Don Chisciotte: perdere il senno 

per riscoprire il cuore in ogni cosa 

recensione di Felice Carlo Ferrara

Il cuore di Chisciotte è uno spettacolo sul capolavoro di Cervantes che, inaspettatamente, si apre con la parola cuore. Un breve e semplice elenco ci fa scoprire che in ogni cosa potremmo trovare un cuore pulsante, anche negli alberi, nelle nostre mani e persino nei ponti e nei vulcani! E proprio questa scoperta ci fa entrare in un istante nel bizzarro universo creato da un uomo che aveva perduto il senno, ma che, proprio per questo, aveva tanto cuore da saper ritrovare l’avventura e il meraviglioso in ogni cosa. Questo cavaliere non era forse tanto lontano dallo stesso autore dello spettacolo che, come il celebre anti eroe, ama dispiegare la propria essenza non tanto nella nostra realtà, quanto all’interno di un personale universo di immagini e parole: parole rimate pronunciate con semplicità e vaga ironia, e immagini che, prima di diventare tali, sono segni in movimento, segni tanto sposati alla musica che li accompagna, da risultare quasi danzanti. Ed ecco infine comporsi dei quadri, che sono il luogo dove l’autore vuole che il nostro senno si smarrisca e si accenda invece la fantasia. E sono a volte incantevoli e suggestivi, a volte buffi e candidi come la naivité così preziosamente infantile con cui si riveste il segno di Tessaro. 

Gek Tessaro

Il cuore di Chisciotte è uno spettacolo estremamente piacevole, capace di rapire non solo per la bellezza di immagini create con ammirevole destrezza sul momento, ma anche per la qualità di un testo felicemente in bilico tra una leggera e spensierata ironia e una poesia dolce e allo stesso tempo sfuggente.

Vale inoltre la pena scoprire quello che l'autore e illustratore Gek Tessaro chiama teatro disegnato: un linguaggio fatto di pennellate tracciate dal vero e amplificate, tramite una lavagna luminosa, in una proiezione su schermo, in cui la viva esecuzione artistica appare come un’entità magica che prende vita davanti agli occhi stupiti dello spettatore.

L’efficacia del risultato è dimostrata dal caloroso ed entusiasta applauso del pubblico in sala.

Il cuore di Chisciotte

di e con Gek Tessaro

regia di Gek Tessaro e Lella Marazzini

dall'omonimo libro edito da Carthusia edizioni

Visto l'8 febbraio 2019 presso il teatro Verdi di Milano, spettacolo inserito nell'IF festival

DEDALO E ICARO:

scene di vita quotidiana alle prese con la disabilità

recensione di Felice Carlo Ferrara

In scena un ragazzo autistico con una disabilità intellettiva; come funzioni la sua mente e cosa provi esattamente è qualcosa di misterioso, ma in primo piano non c’è lui, bensì le voci, la rabbia e le frustrazioni di chi si deve confrontare con la sua diversità (familiari e non) e non vuole adattarsi a un modo di vivere e di pensare diverso da quello sposato dalla nostra società contemporanea, fatta soprattutto di evasione. 

I protagonisti sono quindi ben lontani dall’eroismo mitologico e il padre al centro del dramma è un uomo associato a un Dedalo che cerchi di dare le ali dell’autonomia al proprio figlio senza in realtà la forza di sperare veramente nel suo progetto e con una parte del cuore tesa piuttosto verso il proprio desiderio di autonomia dal figlio, che il contrario. Così la famiglia si disgrega man mano attorno al ragazzo fino a lasciarlo solo.

Con questo spettacolo Eco di Fondo e Teatro dell'Elfo sperimentano per la prima volta una forma di collaborazione in termini sia produttivi che creativi: il risultato è uno spettacolo per certi versi buono, grazie ad una squadra attorale di ottimo livello e una regia interessante, forse senza guizzi di genio, ma anche senza particolari pecche. D’altro canto sul fronte drammaturgico potrebbe rimanere deluso chi fosse abituato allo stile poetico della compagnia guidata da Giacomo Ferraù, attore, regista, ma soprattutto autore di raro talento, qui sostituito nella drammaturgia dalla penna meno estrosa di Tindaro Granata.

Si perde infatti l’occasione di sfruttare il mito per creare un racconto di tipo metaforico (come accadeva, ad esempio, nello splendido La Sirenetta) e si sceglie di scendere in una dimensione molto concreta ed estremamente quotidiana, intervallata da inserti manualistici che forniscono dati sull’autismo senza riuscire ad avvicinarci a questo universo, proprio come accade quando leggiamo questi stessi manuali.
Il rischio della didascalia è quindi sempre in agguato. Quanto alla scelta di concentrare la solidarietà verso individui moralmente fragili, più che verso la diversità, con una certa tendenza al politically scorrect, potrà risultare per alcuni interessante; di fatto, però si perde in parte quella forza nell'impegno sociale che caratterizzava l'anima della compagnia Eco di Fondo; tanto che lo spettacolo potrebbe risultare difficile da digerire per chi, invece, abbia incontrato realmente la disabilità nella propria strada e vi abbia scoperto più bellezza che motivi di frustrazione.  

Dedalo e Icaro

regia di Giacomo Ferrù e Francesco Frongia
 drammaturgia di Tindaro Granata 

scenografia Stefano Zullo

movimenti scenici Riccardo Olivier di Fattoria Vittadini

luci Giuliano Almerighi

con Vincenzo Giordano, Giulia Viana, Giacomo Ferraù, Libero Stelluti

assistente alla regia Pietro Mauri

produzione Teatro dell'Elfo ed Eco di fondo

con il sostegno del MiBAC e di SIAE, nell’ambito dell’iniziativa "Sillumina – Copia privata per i giovani, per la cultura"

visto il 19/1/2019 presso il teatro Elfo Puccini di Milano

Wunderkammer: cabinet of curiosities

Wunderkammer: ritrovare la meraviglia

Recensione di Felice Carlo Ferrara

In un mondo dove la tecnologia ci porta in un istante in ogni parte del mondo, svelando ogni più piccolo angolo di questa terra e fornendo una risposta immediata ad ogni domanda, anche prima che una domanda venga effettivamente posta, l'esperienza forse più desiderabile è tornare a quello stato di ingenuità e ignoranza che dovevano avere gli uomini prima che ogni tecnologia fosse diffusa, quando la mente doveva ancora animarsi con tante domande a cui poteva rispondere più l'immaginazione che una verità oggettiva.

Accettiamo allora volentieri la proposta di Wunderkammer, uno spettacolo che ci riporta in atmosfere ottocentesche facendoci entrare in un cupo e misterioso gabinetto in cui la ricerca naturalistica ha ancora un odore di fantasticherie bizzarre. Qui tre marionettisti ci svelano una stravagante galleria di creature dal sapore esoterico eppure osservate con una pretesa scientifica, con la magnifica naiveté che avremmo avuto in altre epoche e che può restituirci uno sguardo ancora infantile sul mondo e quindi carico di meraviglia, quella meraviglia che il titolo dello spettacolo promette di restituirci per sottrarci per un'ora ad una realtà invece così priva di immaginazione.

Osserviamo allora rapiti la sfilata di queste piccole figurine dall'aspetto spesso demoniaco, mostruoso e deforme, eppure capaci di suscitare anche tanta tenerezza, forse perché nate dalla fantasia del nostro io bambino di cui conservano ancora il carattere semplice e nello stesso tempo un po' folle.

La compagnia tedesca è peraltro tra le eccellenze a livello internazionale in fatto di figure animate e lo dimostra bene anche in questa produzione dove la marionette sono create con una qualità tecnica e un gusto estetico ineccepibili, e dove l'esibizione dell'abilità dei marionettisti non va a discapito, ma anzi nutre la poesia dello spettacolo. Di grande efficacia anche il commento sonoro dello spettacolo che aiuta lo spettatore a immergersi nell'atmosfera magica di questo stanzino delle meraviglie.

Lo spettacolo è incluso in IF festival, imperdibile rassegna internazionale dedicata al teatro di figura contemporaneo, promossa come ogni anno dal teatro del Buratto e ospitata presso il Verdi di Milano.

Wunderkammer, cabinet of curiosities

Performers e pupazzi Alice Therese Gottschalk, Raphael Mürle e Frank Soehnle
Musica “Wunderkammer” di Michael Wollney e Tamar Halperin
Coreografia Lisa Thomas
Costumi Evelyne Meerschaut
Con il supporto di Landesverband freier Theater Baden-Württemberg Fonds Darstellende Künste
FITZ Figurentheaterzentrum Stuttgart Förderkreis Figurentheater Pforzheim
Theater in den Pferdeställen Tübingen

visto sabato 1 dicembre presso il teatro Verdi di Milano

Lupi buoni e tori con le ali

Lupi buoni e tori con le ali: quando nel nostro immaginario irrompe la diversità

Di Felice Carlo Ferrara

C’è un posto dove hanno origine tutte le storie: una sorta di grande fabbrica in cui ogni possibile protagonista trova una collocazione precisa: il lupo cattivo ha il suo spazio in un cassetto in alto a destra, il topo dispettoso sulla sinistra, la farfalla poco al di sotto e naturalmente non manca un posto per i draghi! Tutti gli animali più amati dai bambini sono pronti per essere lanciati nel mondo delle storie… almeno quasi tutti. Quando nel grande archivio compare un toro con le ali, infatti, sembra impossibile classificarlo in modo preciso. Chi ha mai sentito parlare di un toro con le ali? E chi può prevedere se sarà buono o cattivo, socievole o astioso, allegro o malinconico?  Senza un’etichetta prefissata non è possibile entrare nel meccanismo delle storie e questa decisione sembra escludere il nuovo arrivato. Ma basta davvero questo a risolvere il problema? Il toro con le ali sembra infatti avere una naturale predisposizione al caos, tanto che in pochi minuti tutto l’archivio cade nella confusione e ogni animale rivela istinti e attitudini fino ad allora impensabili! O almeno mai previste dalle regole dell’archivio…

“Lupi buon e tori con le ali” è la storia di come tendiamo a ridurre tutto a degli stereotipi impoverendo di fatto le nostre possibilità in termini di immaginazione ma anche in termini di risorse di vita. Ed è una riflessione su come la nostra fatica a gestire l’imprevedibile può rivelarsi in realtà molto dannosa non solo per chi è diverso, ma anche per noi stessi, perché ognuno di noi potrebbe avere una natura imprevedibile nascosta da qualche parte e quando questa natura non trova un canale per esprimersi, rimane di fatto bloccata per sempre, generando una profonda malinconia, se non un fastidioso senso di frustrazione.

Lo spettacolo sceglie un linguaggio misto che si ritaglia momenti di teatro di figura (davvero notevole il lavoro di Rossana Maggi tanto sulle illustrazioni quanto sui pupazzi) e di videoproiezioni; a reggere lo spettacolo sono però soprattutto le due protagoniste, le ottime Giulia D’impero e Paola Palmieri, in grado di dosare nella caratterizzazione dei rispettivi personaggi il giusto grado di ironia e di malinconia.

Se è possibile che non tutti i messaggi veicolati dallo spettacolo arriveranno al bambino (probabilmente il discorso sulle etichette come sui generi è più rivolto ai genitori che ai loro figli), Lupi buoni e Tori con le ali rimane comunque un prodotto gradevolissimo per i bambini, un racconto in grado di divertirli e, quantomeno, di avvicinarli a temi importanti come la diversità e la discriminazione.

LUPI BUONI E TORI CON LE ALI

Ideato e realizzato da ArteVOX Teatro con il sostegno del Teatro del Buratto

di Anna Maini

regia Benedetta Frigerio

con Giulia D'Imperio e Paola Palmieri

scenografia, illustrazioni e pupazzi Rossana Maggi

costumi Claudia Botta e Rossana Maggi

realizzazione e consulenza video Michele Cremaschi

musiche e suoni originali Enrico Ballardini

voci registrate di Tommaso Banfi, Renata Coluccini, 

Marta Comerio, Dario De Falco, Franco Spadavecchia

direttore di produzione Marta Galli

Visto il 18/11/2018 presso il Teatro Munari di Milano

Filippo Timi porta in scena il suo cuore di vetro

FILIPPO TIMI CAVALIERE CORAZZATO DI PAURE IN

 UN CUORE DI VETRO IN INVERNO

Recensione di Felice Carlo Ferrara

Dopo essersi immerso nell’universo shakespeariano (con le riletture grottesche dell’Amleto e di Giulietta e Romeo), aver parodiato la Hollywood degli anni ’50 (Favola), aver giocato con la commedia barocca (nell’estroso Don Giovanni), essere tornato all’ingenuità degli anni ’80 (Skianto) ed aver ricreato le atmosfere del cinema italiano degli anni ’60 (La Sirenetta), Filippo Timi riesuma ora la sacra rappresentazione medievale, riprendendone l’assetto didascalico e costruendo la facile allegoria di un uomo innamorato che affronta le proprie paure come un cavaliere si prepara allo scontro con un drago.

Privo di una vera narratività, lo spettacolo si frammenta in più voci. Al fianco del cavaliere umbro si raccontano, infatti, altre figure, tutte piuttosto topiche nell’universo cortese: un vecchio giullare, un giovane scudiero, una prostituta e un angelo custode, tutti carichi di insicurezze o delusioni e, in questo, specchi della fragilità del protagonista. E se ognuno aggiunge un tassello al tema centrale della paura, così strettamente annodato a quello dell’amore nella personalissima visione del mondo di Timi, nel medesimo tempo ognuno ritorna al punto di partenza.

Allo stesso modo lo spettacolo, pur esplorando un genere teatrale nuovo nella carriera di Timi, torna in realtà alle esperienze precedenti, riaccogliendo in sé l’eco di ogni lavoro del passato, come a realizzarne un piccolo compendio che rifletta malinconicamente su se stesso. Facile riconoscere gli elementi pasoliniani già molto presenti nella Sirenetta (di cui riprende anche un pezzo di scenografia), il gusto barocco, la scelta dell’inflessione regionale a smorzare l’altisonanza del testo e la Marilyn della Rocco già presente nell’Amleto. 

Filippo Timi conferma peraltro la sua cifra stilistica, caratterizzata da un’estetica tanto curata, quanto dedita al bizzarro e dal gusto per l’elemento popolare che vada a contaminare testi invece ridondanti, straripanti immagini poetiche e folgoranti accumulate l’una sull’altra, con insistenza, cercando più la ripetizione del concetto che il suo approfondimento. 

Ne risulta uno spettacolo estremamente affascinante sul versante visivo, e non solo per i bellissimi costumi e per il disegno scenografico: contribuisce notevolmente anche la capacità visionaria di Timi che mette Marina Rocco irrigidita su un carrello scorrevole, accosta uno squallido bar di periferia così materico nel suo nudo cemento ad una nuvola che pare tratta da un affresco manierista e appende infine se stesso a testa in giù dopo essersi arrampicato fino alla cima di una scala in una scena di grande impatto. A questo si aggiunge la consueta qualità nella squadra attorale: in scena un accumulo di talenti la cui vetta è lo stesso Timi.

Per contro si deve riscontrare una semplicità nei contenuti e nel gioco narrativo tale da rendere quasi inutile tanto lavoro estetico o tanto talento attorale, quasi si sfoggiasse più mestiere che arte.    

UN CUORE DI VETRO IN INVERNO

uno spettacolo di e con Filippo Timi

e con Marina Rocco, Elena Lietti, Andrea Soffiantini, Michele Capuano

luci Camilla Piccioni

assistente alla regia Benedetta Frigerio

direttore di scena Alberto Accalai

macchinista Mattia Fontana

elettricista Lorenzo Bernini

fonico Emanuele Martina

sarta Caterina Airoldi

amministratrice di compagnia Beatrice Cazzaro

direttore tecnico Lorenzo Giuggioli

scene costruite presso il laboratorio del Teatro Franco Parenti

costumi realizzati presso la sartoria del Teatro Franco Parenti diretta da Simona Dondoni

produzione Teatro Franco Parenti/ Fondazione Teatro della Toscana

Visto il 31 ottobre 2018 presso il Teatro Franco Parenti di Milano

Becco di rame, la diversità secondo il Teatro del Buratto

quando l'affetto trasforma la diversità in un dono speciale

Recensione di Felice Carlo Ferrara

Un piccolo pulcino d’oca di Tolosa viene salvato da un mercato di animali per essere introdotto in una fattoria dove finalmente qualcuno potrà dargli delle cure amorevoli; è l’inizio di un lento percorso di integrazione in cui il piccolo protagonista, di una specie piuttosto insolita e quindi diverso da tutti gli altri, deve affrontare una prima diffidenza generale da parte degli abitanti della fattoria, per cercare di costruire relazioni man mano più solide, fino a conquistare, da adulto, un ruolo finalmente riconosciuto all’interno di una sorta di società di animali. Ma proprio quando sembra che tutto si sia stabilizzato per il meglio, arriva l’evento peggiore: l’aggressione di una volpe priva l’uccello del becco, sfigurandolo gravemente. L’animale viene soccorso. L’innesto di un becco di rame gli salva la vita, ma l’oca rimane sfregiata per sempre.

E’ un ritorno alle condizioni di partenza: l’oca deve di nuovo fare i conti con la diversità, problema che sperava di aver superato e che invece torna con una forza tanto maggiore, da sembrare insormontabile… oppure no, perché forse ciò che conta veramente sono gli affetti: agli occhi di chi ci ama una nostra anomalia può renderci non diversi, ma speciali.

Ispirato ad una storia vera, lo spettacolo Becco di Rame si pone l’obiettivo di raccontare ai più piccoli il tema della diversità e della disabilità con la semplicità, l’immediatezza e la verità di cui erano capaci le favole di un tempo. E raggiunge il traguardo, riuscendo a intenerire lo spettatore, a divertirlo, a emozionarlo e, infine, a lasciargli qualcosa de
ntro. Merito del coraggio di rappresentare la realtà nella sua concretezza, attraverso il filtro della vita animale, sì, ma senza sottrarre al bambino la complessità e gli ostacoli che caratterizzano l'esistenza di ognuno di noi. La piccola società di animali rappresentata riflette efficacemente la nostra in modo leggero, ma non per questo superficiale; riesce anzi a risultare particolarmente toccante, anche senza indugiare sugli aspetti più tristi della vicenda; per questo incide nello spettatore un importante messaggio di solidarietà. 

Questo spettacolo è dunque la dimostrazione che affrontare temi difficili con i bambini è possibile non accettando un certo grado di approssimazione e censura, come si vede troppo spesso, ma cercando quel giusto equilibrio tra realtà e immaginazione, immedesimazione e distacco dalla narrazione che possa risultare al bambino coinvolgente e comprensibile e, nello stesso tempo, emotivamente tollerabile. 

Successo dunque meritato per questa lodevole produzione, in cui a eccellere non è solo l’esecuzione della tecnica su nero, per cui è celebre il Buratto, ma anche la narrazione, capace di alternare momenti diversi tra loro e di assumere un respiro molto ampio. Lo sguardo dello spettatore non è portato solo sulle vicende del protagonista, ma è condotto in realtà a esplorare tutta la vita della fattoria e della campagna circostante, con momenti anche privi di azione ma di grande impatto. A ciò si aggiungono dialoghi brillanti e, in generale, una drammaturgia solida, cosa tanto rara nel teatro per l’infanzia.

Impossibile, infine, non evidenziare lo straordinario fascino delle marionette, dotate di un aspetto davvero accattivante e animate in scena con una complessità e una professionalità riscontrabile in pochi altre compagnie.

BECCO DI RAME

Produzione: Teatro del Buratto

Premio Eolo 2018

dal libro di Alberto Briganti

adattamento drammaturgico: Ira Rubini

ideazione e messa in scena:

Jolanda Cappi, Giusy Colucci, Nadia Milani, Matteo Moglianesi, Serena Crocco

musiche originali di Andrea Ferrario

in scena: Nadia Milani, Matteo Moglianesi, Serena Crocco

voci: Francesco Orlando, Flavia Ripa, Valentina Scudieri, Nadia Milani, Serena Crocco

pupazzi di Chiara De Rota e Linda Vallone

scenografie e oggetti: Raffaella Montaldo, Nadia Milani, Matteo Moglianesi, Serena Crocco

luci: Marco Zennaro

direttore di produzione: Franco Spadavecchia

visto il 14 ottobre 2018 presso il teatro Munari di Milano